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Lucrecia Martel: El arte de filmar lo que no se dice

Lucrecia Martel ha tejido, desde su Salta natal, una filmografía que parece nacer más del susurro que del grito, del fuera de campo más que de la imagen explícita. Con una mirada singular, ha transformado el cine argentino contemporáneo, llevándolo a territorios de introspección, sensualidad y tensión latente. Cada plano suyo es una invitación a escuchar el mundo de otra manera, a penetrar en los pliegues de la percepción. Nacida en 1966, Martel irrumpió en la escena cinematográfica con La ciénaga (2001), una obra inaugural que ya contenía todas las claves de su universo: la decadencia de la clase media provinciana, los cuerpos en reposo o deterioro, el calor como atmósfera y amenaza, los sonidos que cuentan más que las palabras. Le siguieron La niña santa (2004) y La mujer sin cabeza (2008), completando una trilogía no oficial que se sumerge en lo turbio de lo cotidiano, en lo que no se dice pero tiñe todos los vínculos. Martel no cuenta historias en sentido clásico. En su cine, los argumentos se disuelven como la materia en un líquido espeso. Sus protagonistas, en especial mujeres, flotan entre lo real y lo simbólico, capturadas por una cámara que más que mirar, espía, escucha, rodea. La precisión sonora de sus películas es tan fundamental como la visual: Martel compone con ruidos, voces y silencios, creando una orquesta invisible que guía la experiencia emocional. Con Zama (2017), adaptación libre de la novela de Antonio Di Benedetto, Martel dio un salto estético y temático. Allí, en la figura de un funcionario colonial atrapado en una espera interminable, retrata la violencia estructural del poder y la alienación del cuerpo en el tiempo. Una obra ambiciosa y profundamente política, que reafirma su lugar como una de las cineastas más originales del siglo XXI. Rechazando la complacencia del cine narrativo convencional, Lucrecia Martel continúa explorando lo invisible, lo sensorial, lo latente. En cada película suya, lo que no se ve también cuenta. Y quizás ahí radique su fuerza más profunda: en hacernos dudar de lo evidente, en obligarnos a afinar el oído del alma.

El tiempo detenido: poder y desesperación en Zama

Con Zama (2017), Lucrecia Martel se aleja de la Argentina contemporánea para adentrarse en la colonia española del siglo XVIII. Adaptando la novela homónima de Antonio Di Benedetto, Martel ofrece una experiencia cinematográfica inmersiva, donde el tiempo es un pantano y la espera, una forma de castigo. Diego de Zama, funcionario criollo al servicio de la corona, aguarda su traslado a una región más favorable, mientras su vida se deshilacha entre burocracias absurdas, jerarquías impenetrables y un paisaje indiferente. Martel convierte este relato de época en una obra sensorial, cargada de sonidos naturales, planos dilatados y situaciones absurdas. No busca la recreación histórica tradicional, sino una percepción descentrada, donde el protagonista —y el espectador— se ven arrastrados por una lógica estancada, casi pesadillesca. La selva no es solo un decorado: es una presencia viva, opresiva, que corroe el alma de los personajes. Zama es una crítica sutil pero implacable a los engranajes coloniales, al racismo institucionalizado y a la alienación del poder. Es también una reflexión sobre la espera como forma de violencia: una dilación eterna que revela la fragilidad del sujeto frente al sistema. En su obra más ambiciosa, Martel confirma que su cine es una experiencia del cuerpo, del sonido y de los límites del tiempo. ver film

El pantano de lo cotidiano: una lectura de La ciénaga

La ciénaga (2001), ópera prima de Lucrecia Martel, irrumpe en el cine argentino con una densidad sensorial y simbólica que trastoca las convenciones narrativas. Ambientada en una finca decadente del noroeste argentino, la película retrata una familia que, entre vasos rotos, cuerpos sudorosos y tormentas eléctricas, se desliza lentamente hacia la descomposición. Martel capta un universo enrarecido donde nada parece ocurrir en términos dramáticos, pero todo vibra con tensión soterrada. El calor húmedo, los sonidos persistentes —de ventiladores, moscas, truenos— y los cuerpos inmóviles componen una atmósfera asfixiante. Lo político y lo social están presentes no desde el discurso explícito, sino desde el retrato de una clase media en ruinas, ajena al mundo que la rodea. En este sentido, La ciénaga es tanto una crítica velada al privilegio como una exploración de la parálisis afectiva y existencial. Martel rompe con el realismo tradicional para ofrecernos un cine de los sentidos, donde lo que no se muestra —los silencios, los gestos mínimos, los fuera de campo— adquiere un peso narrativo central. Con La ciénaga, se inaugura una forma de filmar lo invisible: lo que subyace en la rutina, lo que se desliza entre los márgenes de la imagen y el sonido. ver film

Fe, deseo y silencio: las tensiones de La niña santa

En La niña santa (2004), Lucrecia Martel profundiza su exploración de los límites difusos entre lo sagrado y lo corporal, entre el discurso religioso y el deseo adolescente. Ambientada en un hotel de provincia donde se lleva a cabo un congreso de médicos, la película se centra en Amalia, una joven católica que, tras un contacto ambiguo con un médico mayor, se convence de que tiene una misión espiritual que cumplir con él. Lo perturbador es que esa misión parece surgir tanto de la fe como del deseo. Martel construye un universo donde las palabras —rezos, enseñanzas, frases fragmentadas— flotan sin anclarse del todo al sentido. La cámara espía, se desliza entre cuerpos y paredes, mientras los sonidos —respiraciones, murmullos, ecos de pasillos— nos sumergen en una percepción sensorial, casi táctil, del espacio. La represión, tanto religiosa como social, se insinúa en cada plano, pero nunca se enuncia del todo. Lejos de ofrecer certezas o juicios morales, Martel plantea una situación incómoda en la que lo erótico, lo ético y lo espiritual se entrelazan. La niña santa incomoda precisamente porque no denuncia, sino que observa con una mirada ambigua, inquietante. En su segundo largometraje, Martel vuelve a apostar por un cine que no explica, sino que convoca, que exige una escucha activa y una mirada que sepa detenerse en lo que no se dice. ver film

Ver sin ver: el extrañamiento en La mujer sin cabeza

La mujer sin cabeza (2008) es quizás la película más enigmática de Lucrecia Martel, y también la más radical en su propuesta estética. La historia gira en torno a Verónica, una mujer de clase alta que, tras atropellar “algo” en la ruta, entra en un estado de desconexión emocional y perceptiva. Lo que sigue es una deriva ambigua donde el espectador, como la protagonista, nunca termina de saber qué ocurrió realmente. Martel filma desde la confusión. La cámara, muchas veces desplazada del eje o enfocando desde ángulos parciales, refleja el estado mental de Verónica. La imagen se vuelve borrosa, fragmentaria; los sonidos cotidianos adquieren una carga inquietante. La trama parece avanzar, pero todo permanece suspendido en una bruma de incertidumbre. Más que una historia de culpa, La mujer sin cabeza funciona como una alegoría sobre la negación de la realidad, especialmente en contextos donde el privilegio permite borrar las consecuencias de los propios actos. Martel sugiere que ver no siempre implica comprender, y que, en ciertos mundos, es posible vivir sin mirar de frente. Una crítica feroz, pero susurrada, al poder que anestesia la conciencia. ver film

LA HISTORIA DEL ASQUEROSO COLEMAN SWEENEY

Se trata de Coleman Sweeney, un sujeto despreciable que lleva un estilo de vida antisocial, pero cuya historia tiene un desenlace inesperado. La organización estadounidense Donate Life ha presentado un emotivo cortometraje destinado a fomentar la donación de órganos. La estrategia detrás de la campaña de Donate Life es motivar a la sociedad estadounidense, en especial a la generación del milenio, a inscribirse como donantes de órganos. Según la organización, en los últimos años ha caído significativamente la cifra de donantes, mientras en la actualidad solo en EE.UU. 120.000 hombres, mujeres y niños están en espera de la donación de un órgano.

TOPIO STIN OMIHLI

2005 CURTIS HANSON Visitas 726 Sinopsis: Maggie y Rose son dos hermanas huérfanas que no se parecen en nada, excepto que calzan el mismo número de calzado. Maggie es guapa, alegre y tiene éxito entre los hombres. Exactamente lo contrario de su hermana Rose.

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Reino Unido - USA - Vaticano - Curia - Iglesia - Religión - Intriga - Suspenso - 2h

Ganadora de Mejor Guion Adaptado Oscar 2025. Sigue al cardenal Lomeli mientras supervisa al grupo de cardenales encargados de elegir a un nuevo líder de la Iglesia, al tiempo que intenta descubrir un secreto del difunto Pontífice.

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